Fotografos
Oliverio Toscani
cometario: esta imagen y el trabajo de este fotografo me parece muy bueno y fuerte ya que muestra de cierta manera una imagen que impacta y se quiera o no hace consientisar y sorprende a la gente. la imagen de esta muestra perfectamente la fisonomia y estragos de la anorexia, ademas de que la expresion de la mujer dice mucho
Oliviero Toscani es, sin duda, uno de los de los creativos más interesantes y polémicos de los últimos treinta años. Provocador nato, se considera más un artista que un fotógrafo y, cuando se le pregunta por su estilo, dice que carece del él, en el sentido formalista de este término. Desde su punto de vista, todos y cada uno de nosotros domos diferentes y ese es realmente su estilo: ser él mismo.
Nació en 1942 en Milán, estudio fotografía y diseño en la Hochschule fûr Gestaltung de Zurich entre 1961 y 1965. Su trayectoria profesional se inicia como fotógrafo en diversas revistas, trabajando después en el campo de la publicidad, donde llevo a cabo campañas para firmas de moda tan prestigiosas como Jesús Jeans, Fiorucci, esprit, Valentino y Prenatal.
La fama internacional le llego a raíz de su colaboración con Benetton, empresa de cuya comunicación se encarga entre 1982 y 2000 y para las que construye una imagen de marca propia y reconocible que la convierte en una de las más conocidas a nivel mundial.
La relación con Benetton finalizo con una polémica campaña en contra de la pena de muerte- para Toscani, está no era más que la legalización de la violencia-, que le costó a Luciano Benetton uno de sus principales clientes en Estados Unidos- los almacenes Sears-.
Entre 1999 y 2000,- ya en los últimos momentos de su relación con Benetton-, fue directivo de la revista Talk del grupo Miramax de Nueva York, para la que creó una nueva identidad visual totalmente nueva.
Nunca ha tenido estudio propio pues, como ha señalado en alguna ocasión, prefiere ser como el cuco. “que pone sus huevos en distintos nidos “.
Su trabajo ha sido objeto de numerosas exposiciones- entre otras la Bienal de Venecia y La Trienal de Milán- y merecido un buen numero de galardones- cuatro Leones de oro, el Gran Premio de la UNESCO, el Gran Premio del Club de Directores de Arte de Nueva York, etc.
Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004)
comentario: es una imagen que me hace sentir paz, por lo elementos que la componen. ya que el echo de que las mujeres esten en el agua, me simula relajacion y liberdad ademas de que al luz le da mas intensidad a su intencion.
Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.
Su obra fué expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.
Fue cofundador de la agencia Magnum.
Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia.
En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.
Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como « el ojo del siglo »
Robert Capa
comentario: esta imagen me gusta por que refleja los estragos de las balas que dejaron en la segunda guerra , pero al mismo tiempo siento que refleja el optimismo de las personas ante este tipo de situaciones . el trabajode este autor es interesante simplemente por el tema de sus fotos , que es la guerra y todo lo que conlleva esto.
(Andrei Friedmann; Budapest, 1913-Thai Binh, Vietnam, 1954) Fotógrafo y corresponsal de guerra húngaro. Exiliado de Hungría en 1931 por su relación con grupos de tendencia izquierdista, estudió periodismo en Alemania y trabajó para la agencia Dephot.
En 1936, junto con su compañera Gerda Taro, inventó la figura de Robert Capa, fascinante periodista estadounidense, y bajo este seudónimo presentó la primera exposición de sus trabajos, que alcanzaron precios exorbitantes. Aunque la ficción no tardó en ser descubierta, decidió conservar ese nombre.
El prestigio internacional le llegó sobre todo a partir de sus reportajes sobre la guerra civil española y sobre la Segunda Guerra Mundial para la revista Life, al captar con su cámara episodios bélicos como los bombardeos japoneses sobre China, las campañas del norte de África y el desembarco de Normandía.
En 1947, con Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver, y David (Chim) Seymour, fundó Magnum Photos, la primera agencia cooperativa de fotógrafos independientes. Un año depués se desplazó a Oriente Medio para fotografiar los combates en Palestina.
Tras la creación de Magnum se dedicó a enseñar a fotógrafos más jóvenes, hasta que en 1954 decidió cubrir la guerra de Indochina, que luchaba por independizarse de Francia. Este mismo año murió destrozado por la explosión de una mina que pisó inadvertidamente.
Bill Brant(1904-1983)
cometario: esta image me gusto por que refleja el desanparo y debilidad de una pesona, ademas qde que el esenario en el que lo tomaron refleja frlaldad, el trabajo de este autor es interesante.
Nace en Hamburgo (Alemania), en 1904, su padre era británico y su madre alemana. Comienza a interesarse por la fotografía en 1924, cuando aún vivía en Viena.
En 1929 se traslada a París, donde trabaja como asistente de Man Ray, en sus primeras fotografías se aprecia la influencia de André Kertész y de Eugène Atget. Un par de años después se muda a Londres, donde inicia su carrera como fotógrafo independiente. En este periodo Brandt fotografía la vida de las grandes ciudades inglesas, en un momento en el que acucia una crisis económica profunda.
Durante la guerra recibe el encargo por parte de gobierno inglés de retratar la apariencia fantasmagórica de las calles de la ciudad durante los bombardeos aéreos y la manera en que transcurre el tiempo en los refugios antiaereos. Sus primeros trabajos son de fotoperiodismo, así en su primer libro " The English at Home " (1936), hace un análisis de la estructura social de los británicos, mostrando las diferencias sociales, las deprimentes condiciones de vidas de unas personas en contraste con las imágenes de la aristocracia inglesa. Al igual, en su segundo libro " A Nigth in London " (1938), siguiendo los pasos de Brassaï en su libro " Paris de nuit " (1933), hace una aproximación a las situaciones sociales de Londres, pero en esta ocasión se va dejando llevar por cierto aire de nostalgia.
Al final de los años 30, refleja con su cámara la condiciones de vida de los mineros del norte de Inglaterra, afectados por el paro.
En los años 40 Brandt pasa de un tipo de fotografía social y arquitectónica al retrato realizado en el estudio. Crecerá en él la voluntad de experimentación, y será en este momento cuando inicie la fotografía de desnudos, estudiando las enormes profundidades de campo y las perspectivas deformadas, típicas del uso de un objetivo de distancia focal corta.
En este nuevo camino, y en especial en los desnudos, es donde el fotógrafo consigue una mayor personalidad, vuelve a sus orígenes (el surrealismo ) y en sus imágenes se mezcla la fantasía y la realidad.
Brandt coloca a las modelos en espacios muy grandes y retrata una parte de ellas, en primer plano. Estas instantáneas forman parte de su publicación más famosa: "Perspectives of nudes" de 1961.
Bill Brandt se convierte en el creador, el director de escena de sus imágenes, es como un director de cine (recibió una gran influencia de directores como Orson Welles y Alfred Hitchcock). Las fotografías de esta época, están impregnadas de misterio.
En 1945, Brandt comienza a concentrarse en la investigación de las formas femeninas ( el desnudo ), utilizando para ello un gran angular que produce distorsiones en las imágenes, consiguiendo con este trabajo uno de los mayores logros en el desnudo femenino del siglo veinte.
Bill Brandt falleció el 20 de Diciembre del 1983.
Según sus palabras: " Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultadas receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez ".
Joel-Peter Witkin
comentario: el trabajo de este fotografo me parece estraordinario puesto que es impresionante que maneje cadaveres mara su trabajo y los altere, la fotos que ms me gustaron de este, son estas: la primera me parece muy buena , para mi es como es un angel con un corsette de acero , una mujer mutilada. la segunda me parecio mjy interesante por le echo de que es un tipo parodia de la famosa pintura " La naissance de Vénus".
Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.
Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.
Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.
Julia Margaret Cameron
comentario: el trabajo de esta mujer es muy profundo pues sus retrato a trapan a la personas que las sprecian, debidoq ue campa las miradas de una manera que parece que te miran. es concepto de sus fotografias me gusta, un etilo de crear una imagen pero hacer l ver de una manera natura.
Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.
A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron.
Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra.
Tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana.
Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por la ausencia de su marido.
Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía.
Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio, y se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas.
Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.
Henry uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. En 1863 su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado, gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses domino el proceso al colodión.
Margaret Cameron, falleció en 1879.
Spencer Tunick
comentario: su trbajo en realidad es revelador por que toma la desnudes huma de una manera que no la hace ver grotesca. las fotos que vi de el me gustaron por el concepto que muchas tiene unas con simetrias otras en grupo ahciendo ejercicio otras mujeres desnudas posando.
Fotógrafo estadounidense nacido en Middletown (Nueva York) en el año 1967. Obtuvo una titulación en Ciencias por el Emerson College en 1988
Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago (5.000 asistentes),[1] Sao Paulo, Newcastle o Viena.
Fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York)[cita requerida]. En junio del 2003 llegó a fotografiar a 7000 personas desnudas en Barcelona.[2] En mayo de 2007, en la Ciudad de México rompió su propio record logrando juntar en la Plaza de la Constitución (Zócalo) de esta ciudad a cerca de 20,000 participantes que se desnudaron sin prejuicios.[3] Sus modelos son voluntarios que únicamente reciben una foto firmada por su colaboración.
William Eugene Smith
comentario: este autor me gusto mucho por que es otro que tambien muestra los estragos de la segunda guerra mundial. la foto que a mi parecer es excelente es l de la mujer bañando a su hijo, afectado por las radiaciones, los componentes de esta foto son muy buenos sobre todo por la luz.
Reportero fotográfico, nació en Wichita (Kansas) en 1918 y falleció en Tucson (Arizona), en 1978.
Smith se graduó en la Alta Escuela del Norte de Wichita, en 1936. Empezó su carrera realizando fotografías para dos periódicos locales, "The Eagle" y "The Beacon". Se mudó a New York y comenzó a trabajar para el Newsweek y comenzó a ser conocido por su incesante perfeccionismo y su personalidad. Eugene Smith salió de Newsweek por negarse a usar cámaras de formato medio, uniéndose a la revista Life en 1939. Pronto dimitió de su puesto en la revista Life y fue herido en 1942 mientras simulaba una pelea para la revista Parade.
Trabajó como corresponsal para la publicación Ziff-Davis, y de nuevo para la revista Life; Smith fotografió la Segunda Guerra Mundial desde las fronteras de las islas americanas, realizando las fotografías de la ofensiva americana contra Japón y tomando fotos de los marines norteamericanos y de los prisioneros de guerra japoneses en Saipan, Guam, Iwo Jima y Okinawa. En Okinawa, Smith fue herido por un mortero. Una vez recuperado, y profundamente desilusionado de la fotografía de guerra Smith continuó su labor en Life y perfeccionó el ensayo fotográfico, desde 1947 hasta 1954. En 1950, viaja hasta el Reino Unido para cubrir las elecciones generales, en donde sale victorioso Clement Attlee, del Partido Laborista. La editorial de la revista Life se mostraba en contra de un gobierno laborista, pero los ensayos de Smith sobre Attlee eran muy positivos. Finalmente, un número limitado de fotografías de Smith de la clase obrera británica fue publicada en Life. En la década de los 50 se une a la Agencia Magnum.
Smith se volvió a separar de Life porque la revista había usado sus fotos sobre Albert Schweitzer. Empezó un proyecto documental sobre Pittsburgh, y una serie de libros de sus ensayos fotográficos. En estos libros, Smith tenía un auténtico control sobre el proceso de edición de las fotografías del libro, llegando a tener una gran fama de incoformista. Murió en 1978 debido al abuso de drogas y alcohol.
David Nebreda
comentario: el trabajo de este autor es bueno pero en lo personal es grotesco a la vista, y simula mucho dolor. pero es admirable que tubiera esa vision para la fotografia. y reflejara lo que el pensaba en cierta forma hacercae su esquisofrenia.
Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema
Sus imágenes llegaron a las manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su galería de París, fue allí donde Léo Scheer descubrió su obra, impresionado por su fuerza decidió hacerse editor para poder divulgar su obra. Ha publicado ya dos libros de fotos. Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.
Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.
El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.
f
Paul Valéry
comentario: es trabajo de este autor es bueno. sus fotos muestran sombras y contraste entre los elementos. sombras luz etc.
(Paul Ambroise Valéry, Sète, 1871-París, 1945) Escritor francés. Su obra poética, que prolonga la tradición de Mallarmé, está considerada como una de las más importantes de la poesía francesa del siglo XX. Su obra ensayística es la de un hombre escéptico y tolerante, que despreciaba las ideas irracionales y la inspiración poética, y creía en la superioridad moral y práctica del trabajo, la conciencia y la razón. Estudió derecho en Montpellier, donde también publicó sus primeras poesías: «Sueño», en la Revue maritime (1889); Élevación de la luna», en Le Courier libre (1889); «La marcha imperial», en La Revue indépendante, y «Narciso habla», en La Conque (1891). Su amistad con Pierre Louïs le abrió las puertas del París literario, donde conoció a André Gide y a Stéphane Mallarmé (1891), a quien le uniría una gran amistad. Su amor no correspondido por una tal Madame Rovira precipitó una crisis, que le llevó, en 1892, a renunciar a la poesía y a consagrarse al culto exclusivo de la razón y la inteligencia. En 1894 se instaló en París, y al año siguiente publicó los ensayos filosóficos Introducción al método de Leonardo da Vinci y La velada con el señor Edmond Teste; este último, aparecido en la revista Le Centaure, fue el primero de una serie de diez fragmentos donde expone el poder de la mente por entero volcada en la observación y deducción de los fenómenos.
Sus obras siguientes fueron diálogos en prosa: Eupalinos o el Arquitecto (1923) y El alma y la danza (1923). Posteriormente publicó una recopilación de ensayos y conferencias (Variedad, 5 vols., 1924-1944), y una serie de obras, como Rhumbs (1926), Analecta (1927), Literatura (1929), Miradas al mundo actual (1931), Malos pensamientos y otros (1941), y Tal cual (1941-1943), consideradas el diario intelectual de Valéry. Fue profesor de poética del Colegio de Francia (1937-1943). Escribió también para el teatro los ballets Amphion (1931) y Semíramis (1934), a los que Arthur Honegger puso música, y compuso el libreto de La cantata de Narciso (1942), con música de Germaine Tailleferre.
Póstumamente aparecieron el drama Mi Fausto (1946), y también Historias rotas (1950), Cartas a algunos (1952), Correspondencia con André Gide (1955), Descartes (1961) y, a partir de 1956, los numerosos volúmenes de sus Cuadernos.
Joan Fontcuberta
comentario: de este autor es un tanto misterioso su trabajo. la des estraunauta es muy buena. y la de hombre en la paren un tanto complicada de esntender, epro me simula un mago.
Licenciado en Ciencias de la Información, Fontcuberta es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y la Harvard University de Cambridge (Massachusetts), funciones que desempeña simultáneamente con su colaboración con diversas publicaciones especializadas en imagen. En 1980 fue co-fundador de la revista Photovision, editada en formato bilingüe español e inglés, ocupando el cargo de redactor jefe.
Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía en 1979 y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, comisarió la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945 exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el International Photography Center de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 mostrada en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arles. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura.
Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.
Entre 1985 y 2001, la obra de Fontcuberta fue expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Folkwang Museum de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokyo, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Musée de l’Elisée de Lausana, 1999, el MNAC-Museo Nacional de Arte de Catalunya de Barcelona, 1999, o la Redpath Museum de Montreal, 1999.
Su obra ha sido adquirida por colecciones públicas, especialmente de Estados Unidos, Alemania, Francia, España y Argentina como el Centre Georges Pompidou de París; el Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art de Nueva York; el Art Institute de Chicago; el Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo; el I.V.A.M. de Valencia y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
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Jordan 11 -